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Die Wölfe kommen. LADY GRAVESTONE, ihr kleiner Sohn JOHN und ihr Diener TIBBETT sind auf der Flucht durch den tiefen Schnee. Es ist Nacht, der Sturm rauscht, die kleine Kirche neben dem Friedhof verspricht kein sicherer Unterschlupf zu sein. Das Wolfsrudel kommt näher, kreist sie ein, eine Tragödie bahnt sich. JOHN wird diese Nacht nie vergessen! Viele Jahre später treibt sich JOHN GRAVESTONE wieder nächtens herum. In der Ferne heult ein WERWOLF. Die dämonische Kreatur bietet sich als Beute an. Es ist in mehrfachem Sinne lohnenswert, das Biest zur Strecke zu bringen. Rasch ist die BESTIE gestellt, doch auf die Jäger wartet eine Überraschung.

LORD GRAVESTONE ist ein klassisches HORROR-GRUSEL-ABENTEUER im STILE des ORIGINALS von BRAM STOKER (DRACULA). Angesiedelt einhundert Jahre vor jener viktorianischen Ära wird das Leben der GRAVESTONES beleuchtet, einer Familie, die sich die Bekämpfung des Bösen auf die Fahne geschrieben hat. Zwei Brüder sind Priester geworden. Der eine dient der katholischen Kirche, der andere der anglikanischen Kirche. Da in letzterer die Priester heiraten und eine Familie gründen dürfen, ist der Fortbestand der Familie gesichert, denn mit dem kleinen JOHN wächst die nächste Generation heran.

Freilich genügen zwei Dämonenjäger alleine nicht, um die Mächte der Finsternis in Schach zu halten. Deshalb gibt es unterschiedliche Organisationen, ein Netzwerk von Gotteskriegern, aber auch die Rekrutierung von Nachwuchs, Schülern, die akribisch auf ihre lebensgefährlichen Aufgaben vorbereitet werden. Das allein wäre schon spannend genug und erzählenswert, stellte SZENARIST JÉRÔME LE GRIS nicht die Familie GRAVESTONE in den Mittelpunkt des Geschehens. So erreicht er ein Höchstmaß an Anknüpfungspunkten über verschiedene Charaktere. Da ist vom jugendlichen Überschwang bis zum sorgenvollen und erfahrungsreichen Mentor alles dabei. Wer einigermaßen gruselfest oder Horror-Fan ist, wird sicherlich Verweise entdecken. Nicht nur an das Buch-Orignal DRACULA, auch an seine zahlreichen Interpretationen.

Das schmälert das Vergnügen keineswegs, denn vor der Fülle all dieser Abenteuer besitzt LORD GRAVESTONE sehr viele eigene Anteile. Im besonderen Kern wird nicht bloß auf Grusel und die notwendigen Vampirbrutalitäten geachtet, sondern ebenfalls auf das Quäntchen Romantik und Erotik. Diese Beigaben hatte bereits das Original, ist doch der Akt des Blutsaugens im übertragenen Sinne ein sexueller Akt (Und wurde bei genauer Betrachtung in seinen zahlreichen Umsetzungen auch so gewertet; wer die jeweiligen Reaktionen der Opfer sieht, kann das bestätigen. Erst in jüngeren Jahren ändert sich diese Bild zugunsten eines menschlichen Opfers, das einen ähnlichen Rang einnimmt wie Schlachtvieh für uns Menschen.)

Hier wandelt sich das Bild des blutrünstigen Vampirs teilweise, indem die Verwandlung in einen Blutsauger in einen langwierigen Prozess mündet. Nicht, wer einfach gebissen wird, verwanelt sich, sondern wer den ROTEN KUSS empfängt, kann – selbst dann muss es nicht – zum Vampir werden. Zwei der Hauptakteure auf der Seite der dämonischen Widersacher sind zudem einander in Liebe zugetan. Neben körperlicher Begierde stellt Zeichner und Kolorist NICOLAS SINER diese Verbundenheit sehr schön dar.

NICOLAS SINER konnte hierzulande bereits mit der Serie HORACIO D’ALBA auffallen. Hier konnte er bereits in einem Dreiteiler mit den Bildern zu einem historischen Szenario punkten. LORD GRAVESTONE, angesiedelt zu Beginn des 19. Jahrhunderts und später in dessen 1820er Jahren, zeigt eine Epoche, in der Militär und Waffentechnik der Zivilisation voranschreiten, der Rest aber noch nicht wirklich an der neuen Geschwindigkeit teilnimmt. Alte Architektur, alte Transportmöglichkeiten, alte Ansichten von Ehre in einer sich verändernden Epoche. Auch letzeres findet eine grafische Umsetzung. Wenn Ehre verletzt wird, konnte diese Verletzung nach Meinung manches Geschädigten einzig mit einem Akt der Gewalt gesühnt werden. In realistischen Bildern arbeitet NICOLAS SINER seine Vampirversionen ein, die über Fähigkeiten verfügen, solchen, die man als Horror-Fan kennt und solchen, die die Detailfülle der Monströsitäten erweitern.

Eine starke Schauermähr! LORD GRAVESTONE, angelegt als Trilogie, bietet mit seinem Auftakt ein spannend durcherzähltes Horrormärchen mit ein paar schaurig schönen Charakteren. Wer es im Gruselgenre eher klassisch mag, findet hier die genau richtige Lektüre – mit einigen modernisierten Anpassungen versehen. Toll illustriert von NICOLAS SINER! 🙂

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1610. Spanien. In der Region Navarra. Der junge ALONSO DE SALAZAR Y FRIAS ist als Inquisitor unbequem. Geschützt durch einen mächtigen Mentor, selbst einmal einer Anklage entronnen, vertritt er stets einen ganz eigenen Standpunkt und erkennt schnell, wen er charakterlich vor sich hat und sieht die Schwächen im System der Inquisition. ALONSO redet manchmal zu schnell, die Zunge ist rascher als das Gehirn und ignoriert Konsequenzen. Das mag jedenfalls der Eindruck seiner Gesprächspartner sein, besonders aber GONZALO ist dieser Ansicht. Als Sekretär und Leibwächter muss er für seinen Herren häufiger in die Breche springen, als ihm lieb ist. Bislang ließ sich so manche Situation bereinigen, doch die neue Aufgabe zeigt Grenzen auf und offenbart Kräfte, gegen die ALONSO und seine Getreuen (erst recht nicht der Neuling DIEGO) noch nie antreten mussten.

Auf der Basis eines Seriendrehbuches entstand der Zweiteiler SALAZAR, dessen erste Folge hier vorliegt. DAVID ABAJO und JAVIER QUINTAS kreierten die Vorlage, EL TORRES adaptierte sie und IGNACIO NOÉ lieferte die grafische Umsetzung. Besonders letztere ist es, die der Geschichte eine enorme Lebendigkeit und Nähe verleiht.

LEBENDIGKEIT und NÄHE funktioniert über CHARAKTERE. Und hier sind natürlich erst einmal die Hauptfiguren gefragt: ALONSO, GONZALO, DIEGO und nicht zuletzt MARIA. Zeichner INGANCIO NOÉ hat bereits mit dem hierzulande erschienenen HELLDORADO bewiesen, dass er historische Stoffe bearbeiten kann. Damals wie heute ist der Schlüssel, Figuren zu erschaffen, die so aus einem alten Meistergemälde gestiegen sein könnten. Darum sei am Ende, im Anhang begonnen, wo IGNACIO NOÉ einen Einblick darin gibt, wie er seine Figuren findet und gestaltet.

Einerseits inspiriert von KOPTISCHEN GEMÄLDEN, andererseits fündig geworden bei Künstlern jener Epoche wie einem EL GRECO (1541-1614), DIEGO VELÁSQUEZ (1599-1660) oder BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO (1617-1682) entsteht ein optisch hervorragend recherchiertes Werk. Außerdem gleichen diese hier gezeigten Menschen, wie sie sich ganz offensichtlich in jener Zeit gaben, weil sie vielleicht doch eine Spur anders aussahen als heute. Und ihre Kleidung, ihre Haartracht diesen Eindruck sogar noch unterstrich. IGNACIO NOÉ lässt den Leser in diese Zeitspanne eintauchen, in das, was heute noch architektonisch Bestand hat, und jenes, das im Miteinander und täglichem Leben verloren gegangen ist.

Der Look seiner Bilder wirkt stets etwas entrückt. Die Farben kommen der Natur sehr nahe, aber eben nur nahe. Es ist eine Spur künstlich. Das hat nichts mit einer Computerkolorierung zu tun (die es eben nun einmal ist). Das ist so vom Künstler gewollt. In Räumlichkeiten, die vom Kerzenlicht erhellt werden (oder in denen nur punktuell Ecken aus der Dunkelheit gezerrt werden und der Rest im Zeilicht bleibt), stellt sich ein natürlicher Effekt ein. Darüber hinaus ist alles etwas blasser als in Wirklichkeit.

IGNACIO NOÉ liebt den fetten, expressiven Strich. Seine Figuren stehen wuchtig im Bild, sie füllen ihren Platz aus. Gesichter, Konturen, Profile, Faltenwürfe sind wie herausgemeißelt, hart vor dem weichen Hintergrund. Die Wirkung ist prall, als wären die Figuren fassbar. Je weiter von Reklamebildlichkeit unserer Gegenwart entfernt, umso echter, grandioser ist die Wirkung der Figuren und gleichzeitig schauen sie lebendig gewordenen Statuen ähnlich, kolorierten Büsten noch früherer Tage, als es vor Charakterköpfen gewimmelt haben muss. Insgesamt arbeitet IGNACIO NOÉ, als platziere er Figuren auf einer Bühne und holt den Zuschauer auf einen möglichst naheliegenden Stuhl, halb mittendrin im Geschehen.

EL TORRES fiel die Aufgabe zu, das Drehbuch zu adaptieren. Im Anhang wird schön veranschaulicht, wie der Prozess dieser Arbeit (bis zur fertigen Comic-Seite) aussieht. Denn Drehbuchseite ist nicht gleich Comicvorlagenseite. Aufbau und Bilderabfolge sind nicht identisch. Nicht alles kann und muss im Comic ebenso wahrgenommen werden wie im Medium Film. Spannend wird es, wenn die ersten Kritzeleien einen Seitenaufbau andeuten, sich alles schließlich verdichtet und nach der Kolorierung am Ende der Text hinzugefügt wird. Die Arbeit heutzutage am Rechner vereinfacht diesen Prozess erheblich.

So mag es Bilder geben, die den Sprung vom Bildschirm nicht auf die Seite geschafft haben. Allerdings gibt es Bilder, die dort von IGNACIO NOÉ umgesetzt wurden. Umso schockierender sind sie (auch, da Schockmomente überaus sparsam verwendet werden). In einer sich stetig spannungssteigernden Handlung zupfen solche Momente an den Nerven des Lesers.

THRILLER, MYSTERY, HORROR, GRUSEL, HISTORIENABENTEUER: SALAZAR 1, JUDICA CAUSAM TUAM, vereinigt verschiedene Genres in sich. ALONSO DE SALAZAR Y FRIAS (den ein junger Vincent Cassel gespielt haben könnte) ist eine Hauptfigur, die den Leser schnell für sich einnimmt. Mit Ecken und Kanten, ein paar Schwächen, dafür umso mehr Stärken versehen, ist er eine Art kirchlicher Detektiv, der den in menschlichen Abgründen nach der Lösung suchen muss. Diese ist diesmal anders, als er es bislang erfahren musste. Ungewöhnlich, düster, hart, packend! Sehr gut! 🙂

SALAZAR 1, JUDICA CAUSA TUAM: Bei Amazon bestellen.
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Nach den letzten Ereignissen sieht alles wieder nach einem ruhigen Lebensabschnitt aus. OWEN JOHNSON kann und darf sich wieder auf seine Familie konzentrieren, daheim in den Vereinigten Staaten von Amerika. Aber etwas hat sich verändert. Denn seine Familie weiß nun um seine Vergangenheit und um seine Fähigkeiten. OWEN JOHNSON beherrscht nicht nur die asiatische Kampfkunst, die ihm im ORDEN DER FLAMMENDEN FAUST beigebracht worden ist. Er verfügt außerdem über die Macht der FLAMMENDEN FAUST. Diese Fähigkeit ist seit langer, langer Zeit einzigartig und macht ihn zum Ziel. Und letztlich auch seine Familie.

ROBERT KIRKMAN, der Erfinder der Erfolgsserien THE WALKING DEAD und INVINCIBLE, schickt seinen Helden OWEN JOHNSON in die vierte Runde. Bereits in den ersten drei Bänden reaktivierte er das Genre KUNG FU EPOS, indem er ganz klassisch seinen amerikanischen Helden in ein asiatisches Kloster steckte. Das weckte allerlei SHAOLIN-Assoziationen. Doch ROBERT KIRKMAN ist als Autor (ähnlich wie ein QUENTIN TARANTINO) auf nostalgischen Spuren unterwegs. Er holte die ZOMBIES in die Gegenwart zurück, verpasste SUPERHELDEN eine Frischzellenkur, gab den DINOS einen neuen Kick. Und so verhält es sich auch mit den Krachern um KUNG FU, KARATE und andere Kampfkünste. ROBERT KIRKMAN setzt eine ordentliche (ziemlich fette) Portion FANTASY und MAGIE hinzu.

Das Titelbild des vierten Bandes gibt einen kleinen (wirklich nur einen kleinen) Eindruck. Oben glüht die FLAMMENFAUST, unten im Halbdunkel wartet das Böse, dessen Anführer von Schlangenkörpern umkränzt wird. Gut gegen Böse, Licht gegen Schatten, das ist der Kern von FIRE POWER. Und wieder ist mit OWEN JOHNSON ein Held am Start, der nicht um diesen Status gebeten, noch sich darum gerissen hat, diesen zu erlangen. Ganz im Gegenteil: Der Start der vierten Folge findet in den USA statt. Dort, wo OWEN JOHNSON bereits einmal glaubte, weit weg vom Geschehen und den Fehden zwischen ORDEN und CLAN zu sein. Kann der Leser es sich noch halbwegs vorstellen, wenn sich dunkle Schwert- und Karatekämpfer sich auf einem mystischen Berg in Asien bekriegen, fällt das im Umfeld einer ur-amerikanischen Vorstadtidylle schon schwerer. Aber es fasziniert auch viel mehr, wenn gerade dort die HÖLLE ausbricht.

CHRIS SAMNEE hat sich für MARVEL ausgiebig mit SUPERHELDEN beschäftigt. Darüber hinaus könnte er ohne Probleme und grafisch ansprechend eine komplette Geschichte über ein dramatisches, amerikanisches Vorstadtleben bestreiten, ganz im Stile von DESPERATE HOUSEWIVES, PRETTY LITTLE LIARS oder ähnlichem. Denn das gezeigte normale Leben der JOHNSONS, samt der Großeltern, der MIDDLE SCHOOL, dem Alltag von COPS (OWENS Frau ist eine Polizistin) funktioniert als Comic hervorragend und braucht sich nicht hinter anderen medialen Ausdrucksformen zu verstecken.

Aber ROBERT KIRKMAN ist eben nicht der Autor, der er nun mal ist, würde er sich mit derlei Themen begnügen. Für ihn sind sie nur eine Plattform, von der aus es sich durchstarten lässt (wenn er sie nicht gerade demontiert, wie er es in THE WALKING DEAD getan hat). Das BÖSE findet seinen Weg in die Idylle der Vorstadt. Das ist überraschend und geht mit einem Kippen der Farben einher. Plötzlich weicht das warme Licht, des Tages oder der Wohnzimmerlampen, einem giftigen Blaugrün oder es wird neongrell, wenn das BÖSE seine HEIMLICHKEITEN aufgeben kann und es seine Selbstherrlichkeit offen präsentieren kann. Natürlich nur, wenn es in der Überzahl ist.

Der Leser darf sich freuen! Aus der BESCHAULICHKEIT der amerikanischen VORSTADTIDYLLE wird es größer und größer und größer. Handelt es zu Beginn noch um Zweikämpfe, artet es in der zweiten Hälfte in epische Schlachten aus. Und das ist noch lange nicht das Ende der Fahnenstange. Hier scheinen ROBERT KIRKMAN und CHRIS SAMNEE Gefallen daran gefunden zu haben, es so richtig gigantisch krachen zu lassen. Was angesichts der bisherigen Ereignisse schwer vorstellbar ist. Aber sie schaffen es! WOW! 🙂

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Es ist was los im alten Großbritannien. Die alten Legenden haben sich erhoben und wollen das Land in alte Zeiten zurückfuhren. Und Grossbritannien hat einiges zu bieten. Gleich zwei Könige machen sich den Thron streitig. Alte Märchen werden lebendig und fremde Mythen streiten sich mit den Insellegenden. Und mittendrin befinden sich BRIDGETTE, DUNCAN und ROSE und versuchen einen Ausweg zu finden, alles wieder geradezurücken, obwohl es alle andere danach aussieht, als könne es jemals so werden, wie es einmal war.

Legenden sind Legenden und in Wirklichkeit nicht so, wie es der Erzählung entspricht. Diese Erfahrung hat BRIDGETTE, DUNCANS Großmutter, bereits vor langer Zeit gemacht. Sie dachte, ihre Zeit als Monsterjägerin wäre vorbei. Sie hatte sich bei Tee und Zigaretten in einem Altersheim eingerichtet, und nun muss sie doch ran, allein schon, damit ihr Enkel am Leben bleibt. Gemeinsam mit ROSE versuchten sie das Übel zu bekämpfen. Und versagten. KIERON GILLEN (Autor), DAN MORA (Zeichner) und TAMRA BONVILLAIN (Farben) begleiten ihre drei Helden inzwischen in der vierten Episode von ONCE & FUTURE 4 mit dem Untertitel DIE MONARCHIEN DES VEREINIGTEN KÖNIGREICHS.

Aus der alten Insel ist ein fantastisches Chaos geworden. Menschen normaler Wesensart halten hier besser den Kopf unten oder versuchen eine ihnen gestellte Aufgabe zu erfüllen, damit sie am Leben bleiben. Beides ist schwierig, denn die mythischen Kreaturen sind recht einseitig gestrickt. Es gibt eine Daseinsfunktion. Da existieren keine Zwischentöne. Oft sind sie ziemlich brutal in ihrem Ansinnen. FEEN sind hier kleine gefräßige (sehr häßliche) Biester und weit davon entfernt eine Art TINKER BELL zu sein. RIESEN, bekannt von JACK und seinen ZAUBERBOHNEN, könnte eher einem ATTACK ON TITAN entsprungen sein. Der edle Held LANCELOT ist ein ramboider Schlächter. Ein RITTER namens ELIOLD VON CAMELOT scheut sich nicht, sich zu verstümmeln, um einen ansonsten zu mächtigen Feind besiegen zu können.

Neben den großen Dramen nimmt sich KIERON GILLEN ebenso Nebenfiguren vor. Diese werden von DAN MORA und TAMRA BONVILLAIN sehr prominent in Szene gesetzt. Exemplarisch ist hier der Auftakt zu KAPITEL ZWEIUNDZWANZIG. Der Leser begegnet dem HELDENTRIO gleich zu Beginn auf rasender Fahrt, offensichtlich auf der Flucht. Mit dem Dialog, den Erläuterungen der drei lässt sich zunächst wenig anfangen. Im Mittelpunkt des holprig geführten Gesprächs steht ein YVAIN, auch als LÖWENRITTER bekannt, der in einer französischen ARTUS-Erzählung seinen Ursprung hat. Und dann blättert man um – Überraschen lassen (kein Spoiler)! Die Wirkung ist ähnlich, als fielen die endzeitliche Chaoten aus MAD MAX in das Land OZ ein. Drastisch, gigantisch, grell, laut!

Grafisch liefert DAN MORA starke Szenen ab und ebensolche Charaktere. Das ist einer, der ist mit Kollegen wie JIM LEE, ANDY KUBERT oder SCOTT SNYDER auf Augenhöhe, also jenen Künstlern, die sehr realistisch arbeiten (teils eine Spur drüber sind, aber, hey, das ist ein Fantasy-Comic, da passt das). Ich finde es nach wie vor klasse, dass hier eine Art BUFFY-OMA im Mittelpunkt steht: BRIDGETTE. Es passiert nicht oft, dass in GRAPHIC NOVELS ältere Herrschaften einen solchen Stellenwert haben. BRIDGETTE gebärdet sich wie eine toughe Resistance-Kampferin, kennt sich mit Waffen aller Art aus, behält die Nerven und gleichzeitig hoch emotional. Dabei ist sie jemand, die von, würde er jemals Frauen dargestellt haben, CLINT EASTWOOD gespielt hätten werden können. Es ist grandios, wie DAN MORA in KAPITEL ZWEIUNDZWANZIG und DREIUNDZWANZIG mit ihren Gesichtsausdrücken spielt (in zwei sehr persönlichen Begegnungen).

Die Geschichte konzentriert sich nicht nur auf die drei HELDEN. Mehr als nur nebenbei dreht sich im Kern alles um ARTUS. Aber eben nicht nur ARTUS. Es gibt da durchaus INTERPRETATIONEN. Und daraus resultiert ein Chaos sondergleichen, das großartig in Szene gesetzt und wie von einer Kanone hochgejagt und beschleunigt wird. Und das vorläufige Finale ist ein irrer CLIFFHANGER!

Das ist FANTASY im Quadrat. KIERON GILLEN, DAN MORA und TAMRA BONVILLAIN holen alles aus dem Genre raus, was geht. Unwahrscheinlich rasant, gespickt mit einer Überraschung nach der anderen und einer herausragenden grafischen Umsetzung gehört ONCE & FUTURE (auch und besonders durch diesen vierten Band) zu den Highlights des Genres! Verdammt starke Nummer! 🙂

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Sein Name ist ANGEL. Er ist ein VAMPIR. Im LOS ANGELES der Gegenwart ist er nachts unterwegs und bekämpft das Böse in all seinen Gestalten. Er passt auf die Schwächeren auf, trainiert sie zuweilen. So auch HELEN. Nahkampf, Kampftechniken. ANGEL wird von HELEN als eine Art Auszubildende begleitet. Sie ist tough, aber noch nicht bereit. Allzu früh begegnet ihnen ein Gegner, der ihr zu viel abverlangt …

Sein Name war ANGELUS. Er war ein Vampir. Es ging ihm nie allein um Blut. Es ging ihm um Vernichtung all jener, die seiner Macht im Wege stehen. Es gibt keine Unterschiede zwischen Menschen, Dämonen, Geistern und sonstigen dunklen Kreaturen. ANGELUS schart einen Reitertrupp um sich. Versierte Krieger. Selbst eine ehemalige Jägerin gehört dazu …

ANGEL ist wieder da. Die Enttäuschung war groß, als die Fernsehserie, ein Spin-Off von BUFFY, nach fünf Staffeln eingestellt wurde. Noch größer eigentlich, weil sie mitten in einem unaufgelöstem apokalyptischen Szenario endete. Für die hartgesottenen Fans gab es das Medium Comic. Hier wurde die Geschichte fortgeführt. ANGEL und BUFFY überlebten den (weichgespülten) VAMPIR-Hype. Zu recht. Mittlerweile sind über 15 Jahre seit dem Ende der Fernsehserie vergangen. Die alten Handlungen sind auserzählt und auf gewisse Art sind sie auch ein Relikt eines vergangenen Jahrzehnts. Zeit also, die Geschichten einer neuen Generation zu erzählen und an unsere Gegenwart anzupassen.

BAND 1 des neuen ANGEL, mit dem Untertitel MENSCH SEIN, setzt genau da an. Keine Vorkenntnisse vonnöten. ALLES AUF ANFANG. ANGEL lebt in LOS ANGELES. Bisweilen erhält er Hinweise von einer geheimnisvollen Person namens LILITH. Wer diese Hinweise unter die Lupe nimmt und ANGEL einmal gesehen oder gelesen hat, wird erkennen, was auf den VAMPIR zukommt. Seine Zukunft, seine künftigen Weggefährten.

Aber es beginnt nicht nur. Sofort wird deutlich, dass wir uns in einem anderen Zeitalter bewegen. Die digitale Welt hält auch bei Dämonen Einzug. Die Möglichkeiten, Opfer zu finden, sind vielfältiger geworden und sie werden von ihnen auf (äußerst) bösartige Weise genutzt. Und das macht es für ANGEL schwierig. Denn: Wie fängt man einen FEIND, der seine Opfer über digitale Wege verführt, als seine Werkzeuge benutzt (und tötet)? Hier schleichen sich Gruselfaktoren ein, die in moderneren Horrorfilmen gerne Verwendung fanden, hier aber dank des Medium Comics ein paar Gedankengänge weitergeführt werden dürfen und werden. SPECIAL EFFECTS verursachen im Comic schließlich keine zusätzlichen Kosten. Autor BRYAN EDWARD HILL musste also nicht zurückhaltend sein.

GLEB MELNIKOV und GABRIEL CASSATA illustrieren ANGEL ersten BAND, der mich in vielen Momenten von seiner Machart an europäische Comic-Alben erinnert, viel weniger an den Mainstream amerikanischer Serien-Comics. Von leichter Hand skizziert, fragil, etwas karikiert, aber nie drüber. ANGEL wird gerne stilisiert, ein wenig mangaesk. Schmales, kantiges Gesicht, schwarze kurze Haare. Eine Heldenprojektionsfläche. In der Cover-Galerie des Bandes mit zahlreichen versammelten Variant-Covern wird gerne mit diesem Aspekt gespielt. Dort halten sich Künstler wie BORIS PELCER sehr nah an der Vorlage, dargestellt durch den Schauspieler DAVID BOREANAZ (obwohl ich denke, dass DAVID BOREANAZ in den Serien nie so jung aussah wie auf den Comic-Titelbildern).

Die Mischung macht es! Nicht nur nur die unterschiedlichen Stile der Zeichner, auch die anfänglichen Sprünge zwischen Gegenwart (von ANGEL) und der Vergangenheit (von ANGELUS) machen den optischen Reiz des ersten Bandes MENSCH SEIN aus. Hier vergnügen sich Kids mit Social Media, dort reiten VAMPIRE durch die Nacht. Und über all dem, damit es nicht nur bei einem übernatürlichen Abenteuer bleibt, lernt ANGEL seine erste Mitstreiterin einer späteren kleinen (und sehr schlagkraftigen) Gruppe kennen. Alt-Fans dürften sich freuen, bei neuen Fans dürfte die Neugier ordentlich geschürt sein (da entsprechende Vorhersagen grafisch aufbereitet sind).

Neustart und Rückkehr gleichzeitig gelungen. ANGEL, die wichtige Männerfigur an der Seite von BUFFY (mit späterem eigenen Spin-Off), tritt ein in die Neuzeit unter Berücksichtigung all der Veränderungen (vornehmlich technischer Art), die das mit sich bringt. Die Band wird neu zusammen geführt. Altbekannte Charaktere finden zusammen, von BRYAN EDWARD HILL nach der ursprünglichen Vorlage von BUFFY-Schöpfer JOSS WHEDON ins Heute übertragen. Dank ANGELS Hintergrundgeschichte und entsprechender Bilder sehr atmosphärisch, gruselig (und teils ein wenig mehr). Prima Serienstart! Für alle Mystery- und VAMPIR-Fans lesenswert! 🙂

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Eine abgeschlossene Inselgesellschaft ist zu einem furchtbaren Staat mutiert. Bekannte Formen des Zusammenlebens wurden pervertiert. Der Klerus hat sich dem Staat untergeordnet. In den oberen Etagen kümmert man sich um den Zustand der diktatorischen Hämorrhoiden. In den wahrhaft unteren Etagen haben sich Gruppen etabliert, die alle dem gemeinsamen Feind da oben frönen. Zwischendurch vergnügt man sich, opfert man sich oder glaubt an eine Erlösung. In diesen Zeiten wird die Insel immer wieder von Flutwellen überspült, mal mehr, mal minder stark, in jedem Fall aber ein willkommenes Wasserspiel, um unliebsame politische Gegenspieler loszuwerden. Als eines Tages eine besonders große und zerstörerische Wasserwalze das Eiland heimsucht, nehmen Kameras ein unglaubliches Schauspiel auf. Inmitten der Fluten tanzt ein menschliches Wesen nicht nur, nein, es scheint den Gewalten des Meeres sogar seinen Willen aufzuzwingen und die Wellen nach seinem Gusto aufzutürmen und zu bewegen …

ALEJANDRO JODOROWSKY schaut mit wirklich jeder Geschichte, die er bislang geschrieben hat, in die Abgründe menschlicher Psyche. Er zerrt seelische Qualen hervor, Sehnsüchte bitterster Natur, Grausamkeiten, die ganze Palette dessen, was den Menschen hassenswert macht. Und vor dieser Kulisse erschließt sich, wie eine einzelne blühende Blume auf einer grau verdorrten Wiese, poetisch gesprochen, der berühmte Funken Hoffnung. ALEJANDRO JODOROWSKY gibt diesem Funken in dieser von ihm kreierten Welt einen Namen: MONDGESICHT.

MONDGESICHT ist eine Projektionsfläche. Er wird eigentlich BORRADO gerufen, ist selbst stumm und sein Gesicht besitzt nur sehr wenige persönliche Merkmale. Er hat ein paar Haare auf dem Kopf, schmalste Augenbrauen, aber zum Beispiel keinerlei Ohröffnungen im äußerst rudimentären Ohrenwulst. Seine Nasenlöcher werden von einer sehr kurzen und kleinen Nasenspitze überschattet. Sein Gemüt ist kindlich. ISHA, eine Frau aus dem Untergrund wacht über ihn, sofern er sie lässt. Denn eigentlich, das wird bald deutlich, benötigt er keinen Schutz. Und so baut sich langsam aber sicher ein messianisches Konstrukt um den BORRADO auf, der, so unglaublich und so undurchschaubar das auch sein mag, eine Mission zu haben scheint.

ALEJANDRO JODOROWSKY macht auch hier keine Gefangenen, geschweige denn, dass er auf den Leser in irgendeiner Form Rücksicht nimmt. Hat er damals nicht und heute nicht. Das muss man an ALEJANDRO JODOROWSKY mögen (oder eben nicht). Diese Welt ist dem Wahn verfallen. Einem überspitzten, sehr satirischen Wahn, aber auch einem nicht erfundenen Wahn, der auf den Revolutionswellen reitet, wie er in Russland vorgemacht wurde, mit jenem Irrsinn, wie er in Afrika zu finden ist und despotischen Idioten, wie sie überall dort auf der Landkarte auftauchen, wo gesellschaftliche Großbrände auflodern. Hier lässt sich vieles aus der Wirklichkeit übertragen. ALEJANDRO JODOROWSKYS Kunst ist es, einen globalen Wahn auf einen konzentrierten Blick hin zu bündeln. Sei es gesellschaftlich, technisch, technokratisch, religiös (das spielt sehr oft mit) oder auch historisch. Oder alles zusammen. Und noch mehr. Man kann gut und gern behaupten, dass ALEJANDRO JODOROWSKY ein exakter Beobachter ist.

Und dann ist da noch FRANCOIS BOUCQ! Er gestaltet diese Welt mit einer grünlich-grauen Grundstimmung. Machbare Technik mischt sich mit herkömmlichen Untergründen, Tunneln, Abwassergewölben. Grüne Uniformen, schwarze Uniformen treffen auf Rost und Untergang. Eiförmige Architektur, einer Gesellschaftsgrundlage folgend, trifft auf Natur, die an schottisches Hochland erinnert und ebensolche Meeresküsten drumherum. Darauf tummeln sich die Menschen, meist versteckt und wenn doch offen, dann, wie im Falle der Fischer, um durchzudrehen oder um ein Versteck zu suchen. Aber seine schönste Kreation inmitten all des Wahnsinns ist MONDGESICHT oder auch MOON, wie er gerufen wird.

Denn MONDGESICHT lächelt. Nicht immer. Die Qualen eines Tiers machen ihn traurig. Aber alles andere, wie das, was ihm angetan wird, bringt ihn zum Lächeln. Das sind tolle Momente und es ist der Kunst von FRANCOIS BOUCQ zu verdanken, dass sie so toll funktionieren. Denn eine Figur, die sich durch das Erstaunen und die sonstigen Reaktionen der sie umgebenden Gestalten charakterisiert und selbst über Knotenschnüre kommuniziert, ist alles andere als leicht zu bewerkstelligen.

Ein Märchen von ALEJANDRO JODOROWSKY. MONDGESICHT lebt in einer wahnsinnig gewordenen Welt und wird dort zum Heilsbringer. Das ist mit jener starken satirischen (auch philosophischen) Handschrift erzählt, für die ein ALEJANDRO JOROWSKY berühmt ist. Aber es ist umso mehr von einem ungemein hervorragenden Künstler, nämlich FRANCOIS BOUCQ, illustriert. Thematisch sicherlich nicht jedermanns Sache, aber auf dem weiten Feld der Comics und Graphic Novels ganz bestimmt ein Meilenstein. 🙂

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Zwei Widersacher beschreiten einen Dschungelweg. Der eine hat vom Spielleiter einen Revolver erhalten, der andere eine Schachtel Patronen. Am Ziel ankommen soll nur einer der beiden. Erschwerend für die Männer ist die Verfolgung durch eingeborene Kopfjäger, die ihr Opfer wahllos töten. Hier hat keiner der Männer einen Vorteil. Außerdem ist das Land für in gemäßigten Breiten aufgewachsene Westeuropäer sehr lebensfeindlich. Das tödliche Spiel nimmt seinen Lauf.

Der 13. Band der Reihe NIKLOS KODA, mit dem Untertitel NO SONG, beschert dem Leser deutlich aktionsreichere Sequenzen als im Vorgängerabenteuer. SELENI, die Tochter von NIKLOS KODA, wird gleich zu Beginn herausgefordert und stellt ihre kämpferischen Talente unter Beweis. Will sie am Leben bleiben, muss sie ihren magischen Fähigkeiten alles abverlangen und das gegen einen KUMDURKA, einen Magier der Finsternis. Die von JEAN DUFAUX einleitend geschriebene Action lässt den Leser nach ihrem Abschluss nicht viel Zeit zum Luftholen. Der Leser verlässt die Szenerie von NIKLOS KODAS Tochter, um sich daraufhin dem Vater selbst zuzuwenden. Wenig später taucht das Abenteuer im Dschungel ab.

An Abwechslung mangelt es also nicht. Magische Auseinandersetzungen allererster Güte zwischen unterschiedlichsten zauberischen Kreaturen. Über Wasser, auf dem Land, unter Wasser. OLIVIER GRENSON (Zeichner) und BEKAERT (Farben) haben eindeutig ein breiteres Spektrum abzuliefern als im Abenteuer zuvor. Besonders BEKAERT kann sich in den spannenden Zweikämpfen austoben.

JEAN DUFAUX führt hier so manchen Faden zusammen. NIKLOS KODA selbst stellt sich seiner Vergangenheit, seinen Beziehungen und der Erforschung seiner Grenzen. Wie stark ist er geworden? Welche Kämpfe kann er gewinnen? Die Antworten darauf sind fesselnde Szenen, leinwandwürdig inszeniert. Auffallend hierbei ist die Auseinandersetzung zwischen NIKLOS KODA und MRS BLATCHEFF, eine ältliche Frau, die eine Schwester der Sekretärin von LARGO WINCH sein könnte. Weißhaarig, hager, mit heller Haut, straff über das Gesicht gespannt, wirkt sie nicht wie eine ernsthafte Gegnerin. Gegenüber NIKLOS KODA lässt sie von Beginn an keinen Zweifel an ihrer Skrupellosigkeit aufkommen. Ein langsam sich steigerndes Duell findet so unter anderen Waffenbedingungen auch schon mal im Wilden Westen statt.

NO SONG, der Magier, der im Vorläuferband eingeführt wurde, ist hier ein Strippenzieher hinter den Kulissen. Mehr noch: Er ist auch eine Art Wegbereiter für den Namensgeber der nächsten Folge: SPIBORG. NO SONG steht zwar mit dieser geheimnisvollen hier bislang nur erwähnten Figur nicht in Kontakt, aber für alle Beteiligten scheint klar zu sein, dass sich dem SPIBORG ein Magier stellen wird und auch nur der, der die Macht besitzt, den SPIBORG zu schlagen. JEAN DUFAUX strickt also ganz schön an diesem ENDGEGNER.

Ein bewusst gewähltes Wort, denn diese Folge hat sehr viel von einem Computerspiel. Verschiedene zu bewältigende Aufgaben, Gegner von unterschiedlichem Schwierigkeitsgrad, darüber hinaus auch von sehr voneinander abweichendem Design. JEAN DUFAUX, der sich in seiner Vergangenheit durch seine Affinität zum Kino durchaus hat inspirieren lassen, mag im Aufbau der Action auch kreative Anleihen bei Computergames gefunden haben.

OLIVIER GRENSON und BEKAERT stellen die Bedrohung, sei es in Aktionsszenen oder in Gesprächsszenen, über die Charaktere dar. Es gilt die Gefahr aus den Gesichtern herauszulesen. Die FEINDE von NIKLOS KODA scheinen immer entschlossen, ihrem Feind das Leben zu nehmen. Der Bildaufbau hebt sich teils sehr schön von den üblichen Choreografien ab. Teils wird der Betrachter in die Handlung einbezogen, an die Stelle von NIKLOS KODA gestellt, fast so wie in frühen 3D-Filmen, um den Effekt auf den Zuschauer zu verstärken.

Perfekte Fortsetzung mit erheblich mehr Fahrt als in der Vorgängerepisode. Die Dramatik ist entsprechend angezogen, mehrere Schicksale entscheiden sich, NIKLOS KODA ist zwar der Hauptakteur, aber er ist nicht gerade derjenige, der die Handlung voranbringt. Er ist auch nicht der alles überragende Held. Manchmal hilft ihm Können, manchmal nur pures Glück. Mit feinem Strich illustriert, gekonnt koloriert. 🙂

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NIKLOS KODA ist verschwunden. Seine Tochter SELENI sucht verzweifelt nach ihm. So verzweifelt, dass sie gewillt ist, einen Alleingang zur Aufklärung seines Untertauchens zu unternehmen. Auf einen Hinweis des Magiers SEKO sucht sie den geheimnisumwitterten Magier NO SONG auf. Dieser entdeckt sogleich das ererbte Talent ihres Vaters und unterzieht das Mädchen dem TEST DER 10 ZAHLEN. SELENIS Ergebnis fällt über alle Maßen beeindruckend aus.

Über viele Jahre hat die Magie eines HARRY POTTER das Genre Zauberei geprägt. Manch einer kennt das Reboot von CHARMED oder sogar das Original. Natürlich gibt es im Romansektor noch unendlich viel mehr Literatur innerhalb des Genres zu entdecken. Zauberei ist im Comic eher rarer. Da füllt NIKLOS KODA eine Nische, denn hier findet sich eine Art romantische Zauberei oder Magie. NIKLOS KODA steht im Zentrum einer Halbwelt inmitten der realen Welt. Inmitten von Menschen, von denen sich schlecht auf den ersten Blick sagen lässt, ob sie nur tricksen oder tatsächlich ein magisches Talent besitzen.

JEAN DUFAUX, hierzulande durch Comic-Veröffentlichungen wie JESSICA BLANDY, MURENA oder DJINN bekannt, erweiterte mit NIKLOS KODA sein erzählerisches Spektrum. Zweifellos gibt es hier ein starkes romantisches Element. Das sehr verspielte, fast in einer Art Jugendstil-Optik angefertigte Titelbild weist genau in diese Richtung. Abgebildet ist DER OZEAN, namensgebend für den Untertitel der 12. Folge der Serie. Dieser opulent auftretende Magier, in jeder Beziehung, fordert NIKLOS KODA auf seine ganz eigene Weise heraus, nämlich mit den Elementen, dem Ozean selbst heraus. In einer Gefangenensituation, wie sie auch Piraten eingefallen sein könnten, wird NIKLOS KODA auf einen Selbstfindungstrip geschickt.

Blick zurück nach vorn: Diese Selbstfindung bietet gleichzeitig genügend Material, um dem Leser selbst zu dieser späten Folge noch einen Einstieg in den Charakter von NIKLOS KODA zu ermöglichen. In sehr zart gezeichneten, farblich weichen Bildern gestaltet und komplettiert das Grafikduo OLIVIER GRENSON (Zeichnungen) und BEKAERT (Farben) den romantischen Eindruck. Die Figuren stehen nicht einfach nur im Raum, sondern sie posieren regelrecht für den Betrachter. Oft befindet sich der Leser von Angesicht zu Angesicht mit den Charakteren.

HO SAN SEKO, ein Magier, gibt eine seiner Shows zu Beginn der Geschichte. So wird für den Leser gleich die andersartige Stimmung zu den üblichen Magiegeschichten deutlich. Eine deutlich asiatische Stimmung entsteht durch eine Illusion eines fliegenden Drachens, äußerst fein gestaltet von OLIVIER GRENSON und BEKAERT. Neben der tendenziellen Romantik ist dieser Auftakt sogar märchenhaft zu nennen, farblich wie auch figürlich. Darüber hinaus findet sich diese Grundstimmung auch in der Begegnung mit dem OZEAN wieder. Daneben, sozusagen als Gegentendenz, ist der Rückblick um NIKLOS KODA sehr französisch, recht geheimnisvoll, so wie häufig französischen (oder auch belgischen) Erzählern die Darstellung des Magie des Alltags oder einer Beziehung gelingt, ohne in Kitsch zu verfallen. Damit dies gelingt, kommt OLIVIER GRENSON und BEKAERT erneut eine gewichtige Rolle zu. Denn ohne ihren künstlerischen Beitrag würde dies nicht gelingen.

Eine gemächliche, eindringliche Erzählung, abseits der üblichen magischen Abenteuer und Figuren. Erwachsener, etwas femininer berichtet, auch in seiner grafischen Linie, romantisch, märchenhaft. Das Titelbild verrät es auf seine Weise, ein alternatives Cover im Anhang eigentlich noch viel deutlicher. NIKLOS KODA zieht den Leser langsam, aber fest in seinen Bann. Am Ende muss man wissen, wie es weiter um sein Schicksal und das seiner Tochter SELENI bestellt ist. Schön. 🙂

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1865. ZELDA, GAVROCHE, COOPER, DAVY CROCKETT und weitere Weggefährten befinden sich an Bord eines Dampfschiffes in der Magellanstraße, zwischen Patagonien und Feuerland, als ihnen Bekannte auflauern, von denen sie dachten, es herrsche Frieden zwischen ihnen. Der Kampf ist kurz, die Übermacht zu groß, die Bitte um einen Waffenstillstand führt zu einem klärenden Gespräch und einer beunruhigenden Ankündigung. Derweil kämpft sich der geschlagene GENERAL SANTA ANNA mit seinen wenigen verbliebenen Leuten durch den Tiefschnee. Am Ende seiner Kräfte angelangt, wähnt er sich dem endgültigen Aus nahe …

Hätten JULES VERNE, H.G. WELLS, ARTHUR CONAN DOYLE, EDGAR ALLAN POE und H.P. LOVECRAFT, vielleicht noch CHARLES DARWIN die Idee zu einer gemeinsamen Geschichte gehabt, hätte etwas wie HAUTEVILLE HOUSE das Resultat sein können. Jedenfalls zum jetzigen Zeitpunkt im 15. Band der Reihe mit dem Titel KAP HOORN kann getrost diese These aufgestellt werden. Angefangen hat diese Saga anders, aber wie damals zieht Autor FRED DUVAL reale Ereignisse unserer gemeinsamen Historie heran und verknüpft sie mit den fantastischen Ideen, mit denen bereits genannte Autoren spielten. Sogar ein Rückblick auf eine der maßgeblichsten wissenschaftlichen Expeditionen der Welt wird dem Leser gegönnt (nebst CHARLES DARWIN).

Im Verlauf dieser hoch komplexen Saga haben sich zahlreiche Handlungsstränge aufgebaut, diverse Figuren sind hinzugekommen; zu den beiden Hauptagenten GAVROCHE und ZELDA gesellt sich nun ebenfalls eine historische Figur wie DAVY CROCKETT, dem es in dieser fantastischen Zeitleiste gelang, das Massaker von ALAMO zu überleben. Obwohl an Jahren höchst gealtert, bleibt ihm noch eine Aufgabe, denn unbemerkt vom Großteil der Menschheit entwickelt sich eine gewaltige Auseinandersetzung. Hier sieht der Mensch allzu klein und machtlos aus. Im Rahmen dessen, was der Leser bislang in HAUTEVILLE HOUSE erleben durfte, fügt sich dieser Handlungsabschnitt mit seinem Gigantomanismus nahtlos in den Erzählstrang ein.

Feiner allerdings, mit weitaus weniger Effekten, dafür umso tiefsinniger und gefühlvoller, ist die Episode der hier agierenden Helden inmitten der Naturvölker, der SELK’NAM und der RIESEN VON PATAGONIEN, geraten. In einem Nachwort geht FRED DUVAL auf die SELK’NAM ein. 2003 hat eine chilenische Kommision den Untergang des Volkes offiziell als Genozid anerkannt, denn es gilt eben durch die äußere menschliche Einwirkung als ausgerottet bzw. ausgestorben. Basierend auf Aufzeichnungen und Fotos von MARTIN GUSINDE und ANNE CHAPMAN werden die SELK’NAM hier als eigenständige Kultur gezeigt. Ob alles so richtig ist, sei dahingestellt. Die Schilderungen sind auf alle sehr respektvoll und in einem Fantasy-Comic in dieser Form nicht sehr oft zu finden.

CHARLES DARWIN erwähnte die RIESEN VON PATAGONIEN, Menschen von einem Körperwuchs von annähernd drei Metern (so laut FRED DUVAL im Nachwort). Bewiesen werden, konnte ihre Existenz allerdings nie. Das spielt allerdings keine Rolle, weil die hier geschilderte Begegnung ohne große Effekthascherei eine mystische Atmosphäre erzeugt, bei aller Friedlichkeit, in der diese geschieht. Die ruhigen Momente, die sich mit der Kultur, der Folkore, den Gebräuchen der SELK’NAM beschäftigen, sind intensiv und werden von einem DAVY CROCKETT mit knurrigem Humor kommentiert. Gleichzeitig sind sie die Ruhe vor der Sturm. Die darauf folgende apokalyptische Szenerie ist eines H.P. LOVECRAFT würdig. Wer abseits des CTHULHU-Mythos HAUTEVILLE HOUSE noch nicht entdeckt hat, sollte das schleunigst nachholen.

FRED DUVAL weiß, wie er die Spannung über einen derart langen Zeitraum von 15 erschienen Alben hochhalten kann. Eine Saga, in der sich reale Personen und Ereignisse der Historie und Mythen und Fantastisches die Hand geben: HAUTEVILLE HOUSE gehört dank eines enormen Einfallsreichtums zu den Höhepunkten in der Fantastik, gleichzeitig entsteht durch den Auftritt titanischer Kräfte im vorliegenden Abenteuer KAP HOORN ein Höhepunkt der Serie. Stark! 🙂

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NIKKI SINGSTOCK hatte einmal den Wunsch ins All zu fliegen und eine Astronautin zu werden. Es kam anders. FANNIE wollte zusammen mit ihrer Tochter die Welt der Engländer hinter sich lassen und in die gottesfürchtige Abgeschiedenheit der AMISCHEN aufgenommen werden. Es kam anders. Und DERRICK HINCH wollte sein Glück im Tätowieren finden. Und er tätowierte. Glück brachte es ihm nicht … Nur drei Einwohner aus WISCONSIN, in und um WAUSAU, deren Wünsche sich nicht erfüllten. Für so manchen sollte es sogar noch schlimmer kommen.

DEATH BECOMES HER. Um es mit dem modernen Totenklassiker von 1992 zu sagen. Oder: Der Tod steht ihr gut. Oder sogar noch besser, denn plötzlich ergeben sich Möglichkeiten, an die vorher niemand gedacht hat. Andererseits hören die Probleme nicht auf. Es entstehen bloß neue. Lebende Tote (ohne Hunger auf Menschenfleisch, meist bei klarem Verstand, sofern das vorher schon der Fall war, und mit enormen Regenerationsfähigkeiten) wecken Begehrlichkeiten, natürlich und vor allem bei Militär und Wissenschaft.

Genüßlich walzt Autor TIM SEELEY das Aufeinandertreffen von amerikanischen Kleinstadtleben, Militär, einer endzeitlich religiös angehauchten Stimmung und äußerst mysteriösen Ereignissen aus. Die verkrampfte Aufrechterhaltung einer gewohnten Ordnung gerät so schnell zur Farce. Selbst Drogendealer, die weiter ihrer Tätigkeit nachgehen wollen, müssen sich etwas einfallen lassen. Alles geht nach und nach über verschiedene Bodenschwellen den Bach runter. Und das ist bei weitem nicht alles.

Die Toten und die nahebei herumirrenden Seelengestalten waren bisher ein Mysterium. Es gab Lösungsansätze, aber am einfachsten war es für die Beteiligten, diese Wiedergänger einzusperren. Hilfe erwuchs durch die mitfühlende Psychologin DR. MARINA LAURO, für die jene Gefangenen keine Objekte waren, die zwecks Experimenten eingesperrt wurden. TIM SEELEY führt den Leser durch sie an die Toten heran. Und natürlich durch die prominenteste unter ihnen: MARTHA (M) CYPRESS, tot und gleichzeitig schwanger.

Ein Wort (oder mehr) zur Arbeit von JENNY FRISON. Die Front- und Back-Cover werden von ihr gestaltet, aufwendiger als die Innenbilder von MIKE NORTON (Farben: MARK ENGLERT). Der Gemäldeeffekt bei JENNY FRISONS Arbeiten ist weitaus höher. Häufig wird ein bestimmter Charakter der Serie herausgegriffen und prominent in Szene gesetzt. Dabei muss es sich nicht zwangsläufig um eine Hauptfigur handeln und gerade das macht noch einen weiteren Reiz der Bilder aus. Denn so erhalten, nur mittels eines (jedes Mal hervorragenden!) Bildes, besagte Figuren wie zum Beispiel DANAS Sohn COOPER mehr Tiefe. JENNY FRISON hat einen Blick und ein Händchen für Gesichtsausdrücke, gerade so, wie es (gute) Portraitmaler auch mitbringen. Das für die 7. Sammelausgabe, Untertitel VORWÄRTS!, ausgewählte Bild, ist ein besonderer Höhepunkt. Auf einen menschlichen Rücken werden ein paar ausgewählte Motive der bisherigen Handlung tätowiert.

COOPER CYPRESS spielt zwar eine kleine Rolle, aber er gibt der Geschichte eine entscheidende Wendung durch ein Detail, dem bislang zu wenig Aufmerksamkeit geschenkt wurde (in einem Film oder einer Serie gäbe es den berühmten Aha-Effekt). Stichwort: COOPER-COMICS. Ein (sehr kindlicher) Comic im Comic.

Clowns und Freaks. MIKE NORTON hat in der zweiten Hälfte des vorliegenden Bandes zwei sehr unterschiedliche und zwei höchst spannende, weil unerwartbare Handlungstränge zu zeichnen. Es wird sehr blutig, radikal, dann ungewöhnlich, teils lustig und zugleich wird der Geschichte eine neue Figur spendiert, die sich wegen ihres merkürdigen Hintergrundes nahtlos in REVIVAL einfügt (obwohl ich auch den Verdacht nicht loswerde, dass hier eine Art Verbeugung TIM SEELEYS vor der Arbeit von MARK MILLAR stattfindet). MIKE NORTONS Bilder sind stilistisch versiert, am Realismus orientiert, Mittlerweile kennt er seine Figuren und sein WAUSAU im Bundesstaat WISCONSIN eben perfekt.

Eine perfekte Mystery-Soap (sofern der Begriff aus einem anderen Medium in den Comic übertragbar ist) von TIM SEELEY. Kein Band für Neueinsteiger, aber sicherlich ein Band, der Fans der Serie einmal mehr dranbleiben lässt! Gewohnt klasse von MIKE NORTON illustriert, mit tollen Cover-Grafiken von JENNY FRISON. 🙂

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