Comic Blog

Caroline de Muratore, Erbin des Herzogtums Mantua, wurde entführt und befindet sich auf dem Weg in den Harem des türkischen Sultans. Für Rick, den Sohn des ROTEN KORSAREN, ist es zu einer persönlichen Mission geworden, die junge Frau zu retten, die nichts von ihrer Abstammung ahnt. Aber je weiter sich die Korsaren auf dem vorzüglichen Schiff des Schreckens der Weltmeere, dem Schwarzen Falken, in türkische Gewässer gewagt haben, desto größer sind die Gefahren geworden und desto wahrscheinlicher ist es den Kampf gegen eine Übermacht zu verlieren. Mit Raffinesse und Kaltblütigkeit wagen Vater und Sohn nicht nur den Vorstoß ins Herz des Feindeslandes, sondern auch eine tollkühne Flucht.

In der 8. Gesamtausgabe der Serie um den ROTEN KORSAREN sind zwei Abenteuer versammelt. Ein ebenfalls albenstarker redaktioneller Teil rundet den Band mit vielen interessanten Hintergrundinformationen ab. Man kann unbestritten behaupten, dass hier ein Blick auf die goldenen Zeiten des Comics geworfen wird (ohne dabei den entsprechend englischen Begriff zu bemühen). Entscheidung am Bosporus und Die Insel der verlorenen Schiffe lauten die beiden Titel der hier enthaltenen Alben. Für Jean-Michel Charlier waren die Weltmeere eine einzige große Erzählerspielwiese, wofür die beiden Geschichten exemplarisch stehen.

Vom Marmarameer hin zu den tiefen Gewässern vor Mittelamerika. Unterschiedlicher könnten die Orte auf dem Globus kaum sein, ebenso die Ziele der jeweiligen Abenteuer. Hier geht es um die Befreiung einer jungen Frau, völlig selbstlos. Dort geht es um Reichtümer, die den Männern den Verstand vernebeln und alles auf eine Karte setzen lassen. Comic-Künstler sind hier Jije, alias Joseph Gillain, der zusammen mit seinem Sohn, Künstlername Lorg, die Arbeiten am ROTEN KORSAREN übernommen hat.

Jije konnte vor allem mit der sehr langlebigen Western-Serie Jerry Spring einem breiten Publikum vorgestellt werden. Darüber hinaus zeichnete er auch für Tanguy und Laverdure, Leutnant Blueberry und viele andere Serien. Grafisch reiht er sich in die Generation von Künstlern wie Victor Hubinon, Hugo Pratt oder Albert Uderzo ein.

Weniger exakt als Hubinon, ähnlich verspielt wie Udero, nicht ganz so wild wie Pratt. Satte Striche, teils wie impulsiv hingeworfen, deuten dem Leser einen Künstler an, der ohne Farbe, falls gewünscht, auskommen konnte und dem allein Schwarzweiß genügte. Zugunsten einer nostalgischen Kolorierung sind bei seinen KORSAREN-Arbeiten nur selten dramatische Licht-Schattenspiele zu sehen. Sein Sohn Lorg übernimmt den Stil des Vaters nahtlos und perfekt.

Kinoplakate für den ROTEN KORSAREN. Der Illustrator Yves Thos gestaltete für die Serie Titelbilder, die sich sofort in den Reigen der Kinoplakate der starken alten Piratenfilme einreihen können. Meist befindet sich eine tragende Figur im Vordergrund, eine Art Szenencollage bildet den Hintergrund oder die Kulisse. Yves Thos geht sogar so weit, den jüngst 100jährig gewordenen Kirk Douglas 1971 auf einem Titelbild als Statist zu verewigen. Patrice Pellerin und Victor Hubinon vervollständigen die tolle Übersicht der mehrseitigen Titelbildgalerie.

Comic-Unterhaltung und Comic-Historie in einem. Reihen wie DER ROTE KORSAR sind zweifellos Meilensteine und Ausgaben wie diese verdeutlichen die Arbeit, die hinter solchen Projekten stecken. Gleichzeitig geben sie darüber Aufschluss, welche und wie viele Komponenten für einen derart langlebigen Erfolg einer Reihe gebündelt werden müssen. 🙂

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BATGIRL, alias Barbara Gordon, bewundert BATMAN nicht nur. Aus der Bewunderung für den Dunklen Ritter ist mehr geworden. Aber sie hält sich zurück, versucht ihre wahren Gefühle nicht zu zeigen. Gleichzeitig macht ihr BATMAN immer wieder deutlich, wie weit sie mit ihrem Können hinter ihm zurückhängt, wie impulsiv sie noch ist. Barbara ist jung, sie nimmt es mit gefährlichen Gangstern auf und gewinnt. Es läuft doch alles richtig? Oder etwa nicht? Bis eines Tages etwas geschieht, das alles für sie ändert und den Mitternachtsdetektiven an eine nie gekannte Grenze treibt.

THE KILLING JOKE gehört zu den Graphic Novels aus dem DC-Universum, die im Meer der Comic-Erscheinungen rund um BATMAN ziemliche Aufmerksamkeit erregt haben. Im Umfeld der Superhelden kommt es selten zu Todesfällen, aber falls sie doch geschehen und sich die Autoren entschließen, eine Figur aus dem breit gefächerten DC-Universum zu entfernen, wird es regelrecht zelebriert. Ein bekanntes Beispiel ist SUPERMAN (der kam natürlich zurück). Eine Behinderung, eine Wandlung einer Figur, so wie es in THE KILLING JOKE mit Barbara Gordon, der Tochter des Polizeichefs und gleichzeitigem BATGIRL, geschah, ist eine weitere Ausnahmesituation.

Der Comic-Fan weiß, dass aus BATGIRL im weiteren Verlauf ORACLE wurde, die durch Hightech zu einer besonderen Mitstreiterin im BATMAN-Team heranwuchs. Der Stein des Anstosses zur Veränderung kommt ohne jegliche Vorwarnung. Das ist für Comic-Verhältnisse erschreckend brutal und ein weiterer Grund für die Bekanntheit der Geschichte von Comic-Starautor Alan Moore, deren Drehbuchadaption vom nicht minder bekannten Brian Azzarello verfasst wurde.

Die Zeichentrickfilmumsetzung reiht sich in eine Serie von Produktionen der letzten Jahre ein, die sich Höhepunkte aus dem DC-Universum herauspickt. So ist die Optik den realistischen Bildern der Graphic Novel angelehnt. Besonders bekannte Grafiken hat man versucht in speziellen Szenen herauszustellen. Der Realismus ist in der Nähe von herkömmlichen Serien-Animes angesiedelt, Bewegungen der Figuren finden sich ebenfalls auf dem Level wieder. Bei Fahrzeugen und deren Animation wird inzwischen gerne auf Computeranimationen zurückgegriffen. Das funktioniert weitaus flüssiger und setzt perspektivischen Wechseln weniger Grenzen.

Stimmlich können sich Fans von BATMAN: THE ANIMATED SERIES auf ein Wiederhören freuen. Im Original sind Kevin Conroy (Batman) und Mark Hamill (Mr Luke Skywalker als Joker) dabei. Aber auch die deutschen Stimmen sind prächtig besetzt. Eberhard Haar gelingt es seit den 1990er Jahren der Zeichentrickversion des Dunklen Ritters ein tolles sowie lebensechtes Profil zu geben. Hier muss es keinerlei Tonverfälschung unter der Maske geben. Die Stimme von Eberhard Haar ist respekteinflößend genug. Thorsten Michaelis gibt den Joker wunderbar irre. Den versierten Synchronsprecher kennt der Cineast als Stimme von Sean Bean oder Wesley Snipes. Hörspielfreunde kommen seit zig Jahren kaum an ihm vorbei.

Eine feine Umsetzung der Vorlage von Alan Moore, etwas freaky, aber wer andere Werke von Alan Moore wie Watchmen oder die Liga der außergewöhnlichen Gentlemen kennt, wird kaum überrascht sein. Ein solider Superheldenzeichentrickfilm, der seine Figuren sehr ernst nimmt und dessen Handlung Akzente des Genres setzt. 🙂

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Zick ist endlich erwachsen. Er studiert an der Universität. Sein wahrscheinlich bester Freund Bombo, mindestens aber der anhänglichste, ist immer für ihn da. Sogar Elena, das Mädchen, mit dem er so viel erlebt hat, gehört ebenfalls zu seinem Leben. Alles wäre in bester Ordnung, gäbe es nicht ein kleines Problem. Zick kann Monster nicht nur sehen, sondern auch bändigen. Die Fähigkeit dazu besitzt er schon lange. Nur, und das ist das Problem, hat er seine eigene Fähigkeit, den Zähm, verloren. Allerdings wurde sie durch einen fremden Zähm ersetzt. Die hingegen beeinflusst Zick nicht zum Guten …

Zick, Elena und Bombo sowie einige andere sind wieder. Im Comic wie in der realen Welt sind seit den ersten Abenteuern von MONSTER ALLERGY einige Jahre vergangen, doch die Magie dieser Fantasy-Welt zündet noch immer. Waren Zick und Elena in der Vergangenheit Kinder, bringt das Erwachsensein neue Herausforderungen mit sich. Natürlich müssen diverse Kenntnisse und Fähigkeiten weiterhin vor den normalen Menschen geheim gehalten werden. Da sich Zick und Elena bald schon auf den Weg ins Hohe Waffenlager des Matterhorns machen, müssen sie sich darum erst einmal keine Gedanken mehr machen.

Der einleitende erste Teil der Handlung berichtet Neueinsteigern alles Nötige, um gleich in der fantastischen Welt zu einzutauchen. Das Autorenduo, Katja Centomo und Francesco Artibani, schaffen den Spagat, für Stammleser einen schönen Anschluss hinzulegen und neuen Fans alles nötige Rüstzeug an die Hand zu geben, um der Geschichte zügig zu folgen. Spätestens mit der zweiten Hälfte, wenn sich die Abenteurer von der echten Welt verabschieden und in eine parallele Realität im wahrsten Sinne des Wortes hinaufklettern, zeigen sich die Stärken von MONSTER ALLERGY.

Grafisch werden sich Fans der Reihe direkt einfinden dank Zeichner Federico Nardo, der von den Autoren Katja Centomo und Francesco Artibani zurück ins Boot geholt wurde und sich durch seine Arbeiten an der Ursprungsserie bestens im MONSTER-ALLERGY-Universum auskennt. Neulingen sei der Serienstart ans Herz gelegt, wenn sie Mangas (oder auch Animes) der fantastischen Art mögen, vielleicht Abenteuer mit tollen Kreaturen abseits von Ben 10 oder Atlantis suchen und sich über ebensolche netten Hauptfiguren freuen. Optisch reiht sich Federico Nardo mit seiner Technik in diesen modernen Zeichentricklook ein.

Bombo der heimliche Star aus MONSTER ALLERGY hat jenes Sympathiepotential, mit dem ebenfalls ein Chewbacca bei Freunden fantastischer Geschichten punkten konnte. Bombo ist ein Monster. Er ist nicht ganz so schlau, sehr verfressen, noch viel treuer und ein Spaßvogel. Bombo ist ein Tollpatsch und für den Rest der Welt unsichtbar (außer natürlich für die Bändiger). Seine Trampeleien hingegen sind für alle spürbar. Riesenkörper, rot mit schwarzen Punkten, Riesenmaul, Schwanz, pummelige Extremitäten, Kulleraugen, die rausfallen können, kurzum Bombo kommt als Kreuzung aus Teddy und Dino daher, eine rundum knuffige Gestalt. Allein dafür lohnt sich die Lektüre dieses MONSTER-ALLERGY-Bandes.

In der ersten Hälfte eine gelungene Fortsetzung und gleichzeitig Neuauftakt, in der zweiten Hälfte schöne und abenteuerliche Fantasy-Action. Toll für Kids! 🙂

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Flash Thompson hat als Agent VENOM eine weite Reise hinter sich gebracht. Er kämpfte an der Seite der GUARDIANS OF THE GALAXY, doch nun ist er allein. Flash hat Geschmack an seiner Funktion als kosmischer Ritter und eilt nun von Krise zu Krise zu Krise … Inzwischen ist klar, dass es sich bei dem Symbionten, den er mit sich trägt, um einen Klyntar handelt, ein außerirdisches Lebewesen. Und ganz entgegen den Erfahrungen, die SPIDER-MAN immer wieder mit VENOM gemacht hat, hat sich der Symbiont nun erholt, hat alle seine Sinne beisammen und ist eine effiziente Verbindung mit dem ehemaligen Soldaten Thompson eingegangen.

Ein Superheld, dem unterhalb der Knie die Beine amputiert wurden und dank eines Symbionten zu einem Retter im Kosmos geworden ist. Nicht zum ersten Mal bereist ein MARVEL-Held die Weiten des Alls. Die erwähnten GUARDIANS, NOVA natürlich, aber auch die AVENGERS haben sich im Weltraum herumgetrieben. Mit VENOM: SPACE KNIGHT wandelt der Mensch unter dem Symbionten, Flash Thompson, ein wenig auf den Spuren einer Green Lantern, denn ein Agent des Kosmos ist nicht völlig auf sich allein gestellt.

Autor Robbie Thompson (bestimmt nicht verwandt oder verschwägert mit Flash) spielt mit den Fähigkeiten des Symbionten und zieht aus der Kulisse ähnliche Register wie es die Macher von STORM taten, allerdings darf außerdem nicht PER ANHALTER DURCH DIE GALAXIS vergessen werden. Flash Thompson erhält den Roboter 803 als Reisebegleiter, dessen einziger Wunsch es bis zu diesem Zeitpunkt ist, zerstört zu werden. Hier finden sich kleine Parallelen zum deprimierten Marvin aus dem Anhalter. Hier spielt einer gekonnt mit dem sehr weiten Genre. Autor Robbie Thompson kennt sich auf der kurios gruseligen Seite der Fantasie weidlich aus, schließlich gehört er nicht umsonst seit Staffel 7 zum Autorenteam von SUPERNATURAL.

Wer Spaß an Star Wars hat, national betrachtet an Perry Rhodan, oder an Werken von Comic-Künstler Don Lawrence, etwa Storm oder Trigan, der wird die Arbeit von Ariel Olivetti lieben. Olivetti zeichnet keine Comics, der Argentinier malt sie. Jedes Bild besitzt Posterqualität. Hierzulande konnte er mit dem Crossover Superman / Batman / Predator / Aliens eine optisch faszinierende Graphic Novel vorstellen. Ariel Olivetti nimmt sich gerne möglichst viel Raum für seine Bilder und Robbie Thompson legt die Geschichte so an, dass der Argentinier auch die Gelegenheit dazu erhält.

Einige ganzseitige Bilder gönnt sich Ariel Olivetti. Darüber hinaus arrangiert er die Einzelbilder einer Seite gerne so, dass ein toller cineastischer Eindruck entsteht. Die Grafiken verströmen nicht nur modernes Flair. Durch das Design der Figuren schleicht sich auch das wunderbare Flair früherer SciFi-Jahre ein. Hier könnte ganz im Stil der 1930er oder 1940er Jahre gleich ein anderer Flash, nämlich Flash Gordon um die Ecke kommen. Schöne Einfälle werden hier gekonnt umgesetzt. Anklänge an irdische Mythologie finden sich hier ebenso wie Vermischungen verschiedener, teils putziger Erdentiere, die ein spaßiges wie groteskes Auftreten haben.

Ein grafischer Knaller! Comic-Künstler Ariel Olivetti ist längst kein Geheimtipp mehr, dennoch sei dieses Weltraumabenteuer jedem ans Herz gelegt, der es bunt, einfallsreich, modern und nostalgisch zugleich mag und dazu noch mit 150prozentiger Perfektion illustriert. Klasse! 🙂

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Wer aufwacht, sicher ist, umgebracht worden zu sein und nicht weiß, ob sich der Mörder noch in der Gegend herumtreibt, hat ein Problem. Rachel hat dieses Problem. Doch mit ihrer Unsterblichkeit gehen auch Fähigkeiten einher, die es ihr ermöglichen könnten, eine Spur des Unholds zu finden. Im kleinen Städtchen reihen sich seltsame Vorkommnisse aneinander. Malus, der die Hölle auf Erden bereiten will und neben Lilith sein Unwesen treibt, versucht einen gehorsamen Nachkommen heranzuzüchten. Lilith hadert mit sich, zieht sich zurück und wird trotzdem von den Menschen eingeholt, von der alten Feindschaft mit Malus und einer ebenso uralten Freundschaft mit Rachel. Jeder scheint eine letzte, alles entscheidende Konfrontation zu suchen.

Terry Moore löst die einzelnen Knäuel auf. Er macht es weiterhin in Schwarzweiß, so dass allzu blutige Passagen dem Leser immer noch genug Vorstellungskraft abverlangen. Aber Blut ist nicht alles. Terry Moore versteht sich auf Mystery. Das hat er bisher weidlich bewiesen. Aber er versteht sich ebenso auf absurd überdrehten Splatter. Lilith hat hier ihre Momente, aber auch die menschlichen Charaktere können locker mithalten. Terry Moore schafft es hier mit Bravour eine typische CSI-Szene auf die Spitze zu treiben. Mehr Autopsie geht nicht!

Ein Meister der Momentaufnahme. Terry Moore stellt die Beziehungen der Charaktere zueinander hervorragend dar. Ihm gelingen die kleinen Dialoge, die mehr aussagen als bloße Worte, aber er versteht sich auch auf die beinahe wortlosen Szenen. Bestes Beispiel hier ist das noch junge Pärchen Earl und Jet. So zufrieden kann Zweisamkeit aussehen. Und so fein kann sie dargestellt werden. Aber Zweisamkeit bleibt hier die große Ausnahme, denn das Hauptthema dieser 7. Ausgabe mit dem Untertitel STAUB ZU STAUB ist eindeutig Rache. Mittlerweile ist genug geschehen, um (fast) jeder Figur genug Motivation für einen brutalen Akt gegen alles und jedermann mitzugeben.

Lilith ist so eine Figur. Sie besitzt einen Groll gegen den Menschen und alles, wofür diese Art steht. Mitleid ist ihr nahezu fremd geworden. Mitgefühl besaß sie einmal. Das zeigen Rückblicke. Inzwischen ist davon selbst der kleinste Funke erloschen. Gewalt macht den Figuren keinen Spaß. Oft ist es ein Ventil. Wo andere schreien, massakrieren sie. Es ist zu ihrer Natur geworden und geschieht mehr nebenbei. Terry Moore inszeniert derartige Szenen mit voyeuristischer Kälte. Seine Figur Lilith ist ein guter Träger für derlei Szenen, stets zwischen roboterartigen Vorgehen, Selbstkontrolle und einer jahrhundertealten Depression schwankend.

Ein schwarzweißes infernalisches Finale. Irgendwann überspannen selbst die Bösen den Bogen. Dann kracht es. Terry Moore hat seinen Figuren viel Geduld abverlangt. Schließlich präsentiert er das auslösende Ereignis für das Ende und die letzten Auseinandersetzungen. Rache ist ein Gericht, das am besten kalt serviert wird. Genauso hält es Terry Moore. Und gerade die unterdrückte Wut, die Moore Lilith und letztlich auch der Titelfigur Rachel mit auf den Weg gibt, treibt die Spannung im letzten Viertel der Geschichte auf die Spitze. Klasse!

Terry Moore, durchweg ein Meister einer klaren Linie und eines perfekten Tuschestrichs, bringt hier seinen Mystery-Thriller um Rachel und ihre Freunde mit Paukenschlag zum Abschluss. Wer das Genre mag, neue Ideen abseits des Mainstreams sucht, kommt hier auf seine Kosten. Übersetzt gesprochen: RACHEL RISING lechzt geradezu nach einer Serienverfilmung. Gesamtnote: Sehr gut! 🙂

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Angriff auf BATMAN! Das kennt der Dunkle Ritter. Er hat wahrhaftig gelernt, damit umzugehen. Aber diese neue Sorte macht ihm schwer zu schaffen. Sie erfolgte heimtückisch und überaus geschickt aus dem Hinterhalt und gleich an zwei Fronten. BATMAN findet schnell einen ersten Hinweis, doch von der Lösung des Falls, in dessen Mittelpunkt er selbst steht, ist er weit entfernt. Sogar wortwörtlich, denn er ist gezwungen, Gotham City zu verlassen und sein Jagdgebiet auf EUROPA auszuweiten. Seine erste Station lautet BERLIN.

BERLIN, PRAG, PARIS und ROM. Große Städte, große Namen. Hier fallen die beiden ewigen Gegenspieler, BATMAN und JOKER, ein. Weil beide von derselben Krankheit befallen sind, agieren sie gemeinsam. Eine sehr unglückliche Mischung, die dauerhaft von Misstrauen geprägt ist. Autor Brian Azzarello und Kollege Matteo Casali schmieden hier ein Paar zusammen, das nur unter Zwang gemeinsam handeln kann. Und selbst dann befindet sich BATMAN im Zweifel, oder der irre Clown an seiner Seite nicht doch plötzlich seine Aggressionen gegen den Dunklen Ritter richtet.

BATMAN EUROPA bietet einerseits ein gewohntes Bild der beiden Erzfeinde, andererseits ist die Präsentation dunkler, (alp)traumhafter und viel, viel bedrohlicher als gewohnt. Selbst der bei DC-Fans allseits bekannte Jim Lee, der mit seinen Arbeiten zu BATMAN und SUPERMAN viel Aufmerksamkeit erregte, reiht sich stilistisch in die surreale Atmosphäre dieser Reise nach EUROPA ein. Denn optisch wird an allen Ecken nach einer Veränderung gesucht. Hier findet sich eine aquarellartige Kolorierung. Ebenso sind, höchstwahrscheinlich computerisiert, Buntstifte und Kreide und Ölfarbe zum Einsatz gekommen.

Die grafische Krönung ist die Ausreizung optischer Eindrücke, wenn in der PARISER Episode versucht wird, einen scheinbaren 3D-Effekt zu erzielen, mit künstlerischer Fotoverfremdung inklusive. Man stelle sich gedruckte 3D-Vorlagen für die gute alte 3D-Brille vor, diese teilweise etwas verschwommen, an anderen Stellen übersch?rft. Hinzu kommt ein künstlerischer Eindruck, etwa, wenn Werke eines H. R. Giger im Vollrausch konsumiert würden. Seltsamerweise passt die Optik zur wahnsinnigen Handlung, auch hier mit einem wahnsinnigen JOKER inklusive.

Wahn mit Methode. BATMAN und JOKER sind schwer krank. Die Optik versucht gerade diesen Aspekt, die immer schwächer werdenden Helden auf ihre Art auszudrücken. Das funktioniert oft, ist aber im Ausdruck (Vorsicht Wortspiel) manchmal zu erdrückend. Faszinierend anzuschauen, gar keine Frage, nur passt es, sobald es zu krass wird, nicht mehr so ganz zu einem BATMAN-Abenteuer.

Zu ungewöhnlich für den BATMAN-Otto-Normalleser. Wer sich mit den üblichen Events innerhalb der Comic-Universen anfreunden kann, dem normal agierenden BATMAN folgt, wird mit diesem Experiment nicht ganz so viel anfangen können. Wer sehen möchte, wie sich ein Superheld einmal anders ausprobiert und durchaus neues Potential entdeckt, sollte einen Blick riskieren. 🙂

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Es waren einmal Spider-Men … Nach dem Zusammenbruch des ultimativen Universums hat sich ein Spider-Man in die andere Welt retten können. Und nun gibt es neben Peter Parker auch noch Miles Morales. Miles ist schwarz, so jung wie Peter einst war, als ihn die radioaktive Spinne gebissen hat und geht auch noch zur Schule. Sein Kostüm ist hauptsächlich schwarz, wirkt wie eine positivere Venom-Variante und tatsächlich hat er mit seinem Venom Blast eine Fähigkeit, die der alte Spider-Man nicht besitzt. In Sachen Feinde jedoch können sich beide die Hand reichen, denn es sind die dieselben Halunken, die es auf die Spinnenmänner abgesehen haben.

MILES MORALES ist als SPIDER-MAN ein ähnliches Reboot, wie es die Figur demnächst auf der Kinoleinwand erlebt. Auch die Konstellation ist ähnlich. Dieses Zurück-zu-den-Wurzeln wird hier sehr gut in die Gegenwart umgesetzt, da Peter Parker im normalen MARVEL-Universum gestattet wurde, sich ordentlich zu entwickeln, auch mal eine Spur zu altern und längst aus den Teenager-Problemen herausgewachsen ist. Brian Michael Bendis, der damals auch den ersten ULTIMATIVEN SPIDER-MAN geschrieben hat, nimmt sich ebenfalls der neuen Version an.

Was ist anders? Nun, erst einmal wurde dieser SPIDER-MAN nicht im normalen MARVEL-Universum geboren. Jetzt ist er hier, einiges hat sich für ihn verändert, teils zum Besseren, doch die Eingewöhnung fällt verdammt schwer. Natürlich ist die Umwelt neugierig auf den neuen SPIDER-MAN. Das macht dem Jungen, der sein Geheimnis mit nur ganz wenigen Eingeweihten teilt, schon Probleme. Schwierig wird es, als sich eine ganz besondere Person in sein Leben einmischt, nämlich seine Oma. Miles Morales besitzt nicht jenen Humor, mit dem Peter Parker so oft punkten konnte, deshalb muss Brian Michael Bendis sich ein paar andere Möglichkeiten ausdenken, um die Szenerie aufzulockern. Mit der Oma ist ihm das gelungen.

Grafisch: WOW! Sara Pichelli versteht sich aufs Zeichnen! Sie gehört zu jener Künstlerriege, die dem Superrealismus verpflichtet scheinen. Jim Lee oder Bryan Hitch spielen auch in dieser Liga. Zur Abgrenzung jener Künstler, die ziemlich harte Kerle zu Papier bringen, tendiert Pichellis Stilrichtung ein wenig gen Frank Cho, der seinen Figuren eine Spur Humor anzeichnet. Das passt erst recht bei Figuren wie besagter Oma oder Spideys bestem Freund Ganke.

Auftritt: SPIDER-MAN. Der Einstieg der Geschichte findet sich just in dem Moment, als der Kampf eigentlich schon vorbei ist. Die Avengers liegen geschlagen am Boden und der junge SPIDER-MAN steht allein einem annähernd drei Meter großen Dämonen namens Blackheart gegenüber. Der Sohn von Mephisto hätte auch der Comic-Reihe Der Schwur des Ambers entsprungen sein können. Die optische Wirkung ist blanker Clive-Barker-Horror. Das ist ein gelungenes Wechselspiel zu den später auftretenden klassischen Schurken, die SPIDER-MAN das Leben schwer machen. Sara Pichellis Bilder erhalten durch den Top-Koloristen Justin Ponsor eine filmische Tiefe.

Was für ein Einstand im altehrwürdigen MARVEL-Universum! Eine klasse Gelegenheit für jugendliche Einsteiger zum Erkunden an der Seite einer Figur, für die ebenfalls vieles neu ist. Ein grafisches Sahnestück ist es sowieso. Klasse Start! 🙂

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Eigentlich sollte Batman sich zurücklehnen und beobachten, wie jemand seine langjährigen Gegner aus dem Weg räumt. Er hat sie oft genug gejagt und bekämpft und zurück nach Arkham Asylum gebracht. Aber er wäre nicht der Dunkle Ritter mit dem besonderen Ehrenkodex, ließe er sich von einem minderen Gefühl leiten. Und so macht sich Batman auf die Suche nach dem Killer, der seine schlimmsten Feinde töten will. Dabei macht er absonderliche Erfahrungen mit dem Riddler ebenso wie mit Two-Face. Andere Feinde, da gibt sich Gotham, die Gangsterstadt, wenigstens solide, bleiben sich treu und wollen Batman schaden, wo und wie sie nur können. Eine Geheimgesellschaft mischt hier an vorderster Front mit, doch der Dunkle Ritter hat eine neue Methode zur Infiltration gefunden und ist ihnen haarscharf auf den Fersen.

In zwei groß angelegten Handlungssträngen erwachen die BATMAN ADVENTURES zu neuem Leben. DIE GESELLSCHAFT DER SCHATTEN und DIE FALSE FACE SOCIETY verlangen dem Mitternachtsdetektiv alles ab. Auf rund 250 Seiten widmet sich der vorliegende Band den beiden erfolgreichsten DC-Zeichentrickserien der 90er des 20. Jahrhunderts. BATMAN sowie BATMAN UND ROBIN waren in jener Zeit wegweisend und nutzten den Erfolg der beiden Verfilmungen mit Michael Keaton als Startschuss. Gleichzeitig schob der Erfolg der beiden Serien um BATMAN auch eine Zeichentrickserie von SUERMAN ähnlicher Machart an.

Die hier gezeigten Grafiken greifen das Ambiente der Serien auf, eine gelungene Verbindung eines düster kantigen Fledermaushelden, etwas Film Noir und die Leichtigkeit eines makabren Humors, der besonders von Joker und Harley Quinn getragen wird. Pupsie, wie der Joker von Harley auch liebevoll genannt wird, ist zeitweilig wegen einer Gehirnwäsche aus Arkham nicht ganz bei sich und benötigt erst einmal Starthilfe, um wieder ganz der Alte zu werden. Der Comic schafft es, die inhaltliche Düsternis der Zeichentrickvorlage einzufangen, ist aber bei weitem optisch nicht so dunkel wie die Bildschirmfassung. Hier musste die Comic-Umsetzung Abstriche machen.

Darüber hinaus aber haben die Autoren Ty Templeton und Dan Slott ihre Hausaufgaben gemacht. Beide sind fest im Comic-Business und in verschiedenen Comic-Universen verwurzelt. Mit BATMAN haben beide einschlägige Erfahrungen gemacht. Das Projekt BATMAN ADVENTURES ist für Templeton und Slott wie ein Heimspiel. Die feinen Zeichnungen von , aber auch Ty Templeton (ja, ist hier in Doppelfunktion unterwegs) greifen einerseits die Leichtigkeit des Originals auf, andererseits bleiben sie natürlich hinter der in den letzten Jahren erwachsenen Ernsthaftigkeit sonstiger BATMAN-Abenteuer zurück. Mord und Totschlag ist hier ein Thema, aber eher eines, das wie in der legendären Serie aus den 60er Jahren daherkommt.

Schurken wie den Joker oder Two-Face sieht der Leser, mittlerweile auch der Kinogänger häufiger. Die Geschichte über die FALSE FACE SOCIETY fügt einige seltenere Gäste hinzu. Neben einem freilich seit SUICIDE SQUAD bekannteren Deadshot finden sich das PHANTOM, FIREFLY oder der BRONZE TIGER, Figuren also, die eine sehr populäre Phase hatten, aber länger nicht mehr im großen Stil zum Einsatz kamen. Diverse redaktionelle Vorstellungen mancher Figuren runden etwaige Wissenslücken von Stammlesern ab. Neueinsteiger finden sich ebenso zurecht. Denn dank der Erzählweise eignen sich die ADVENTURES gut für jugendliche Comic-Einsteiger.

Mission erfüllt. Schwungvolle Fortführung des Zeichentrickklassikers aus den letzten 90er Jahren, auf den Strich genau gezeichnet und mit dem Geist der damaligen Serie erzählt. Für BATMAN-Neueinsteiger ebenso wie für gestandene Fans. 🙂

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Timo und Luce befinden sich in einem Überlebenskampf. Noch ahnen sie nichts davon, dass sie als Sklaven verkauft werden sollen. Aber Timo hat einen Freund, klein zwar, aber findig und voller Fähigkeiten, die von den Kindern ebenfalls nicht vorhergesehen werden konnten. Derweil tobt andernorts ein Partisanenkrieg. Die fremden Besatzer, die sich, dank einer überlegenen Technologie und ihres brutalen Vorgehens, in dieser Welt einigeln konnten, werden bei ihren Patrouillen immer öfter angegriffen und vernichtend geschlagen.

Wäre DER RING DER 7 WELTEN ein Filmset, würde es wohl einen höchst beeindruckenden Drehort abgeben. Im Kern spielt die Handlung auf oder in der Nähe einer schwebenden Stadt. Hinzu kommen die nicht zu vernachlässigenden Luftschiffe. Zeichner Matteo Piana und Kolorist Davide Turotti erschaffen eine verwinkelte Welt, scheinbar aus Teilen, die gerade zur Hand waren, zusammengehämmert. Hier passt nichts richtig, hier wurden Reste einer vergangenen Welt verbaut. Blech wurde wild vernietet, Versorgungsrohre laufen überall, ohne erkennbares Muster an den Wänden entlang.

Das Set könnte optisch einem Zeichentrickfilm entsprungen sein, hier noch mehr als in drei Vorgängerbänden. SCHICKSALSBANDE, so der Untertitel des 4. Abenteuers, schließt den Vierteiler als durchgehendes Finale ab. Der Junge Timo und das Mädchen Luce werden zu Schlüsselfiguren im Niedergang und Neubeginn einer Zivilisation. Waren die bisherigen Ereignisse bereits sehr abwechslungsreich und voller ungewöhnlicher Ideen, toppen die beiden Autoren Giovanni Gualdoni und Gabriele Clima noch einmal, indem sie besonders Timo eine spezielle Rolle zukommen lassen.

Timo besitzt nicht nur eine ausgefallene Gabe, er verfügt auch über das Talent, andere Menschen für sich einzunehmen. Dafür strengt er sich nicht einmal an. Die beiden Autoren haben ihn als Jungen angelegt, der eine ungezwungene Sympathie verströmt. Seine Beziehung zu Edon, einem kleinen Gestaltwandler, bringt ein märchenhaftes Element in die Geschichte ein. Gualdoni und Clima haben hier ein ähnliches Gespür für solche Verquickungen wie ein Loisel.

Zurück zur kriegerischen Auseinandersetzung, die im RING DER 7 WELTEN eine Kernrolle spielt. Die Optik wird von jenen Anime-Fans, die Filme mit archaisch technischem Hintergrund mögen, sofort ins Herz geschlossen werden. Dabei handelt es sich nicht japanische Comic-Künstler, sondern um ein italienisches Duo (Zeichner, Kolorist), das hier am Werk ist. Der Ausdruck der Figuren, die Atmosphäre, vermischt mit etwas Underground-Stil ergibt den perfekten Endzeit-Anime. Matteo Piana und Davide Turotti haben sich seit der Entstehung von DER RING DER 7 WELTEN in ein anderes SciFi-Universum, nämlich Star Wars begeben, wo sie an den Comic-Umsetzungen der Kinofilme beteiligt sind. (siehe Link)

Toll wirkt die weiche Farbgebung. Hier wechseln sich monochrome Eindrücke mit stimmigen, sehr intensiven nächtlichen Szenen ab. Licht in Form von Feuer oder Explosionen bedeutet stets Gefahr. Davide Turotti geht perfekt mit Licht und Schatten um und erzeugt eine sehr tiefe Szenerie, was letztlich den Zeichentrickeffekt um ein Vielfaches erhöht. Die Bilderabfolge von den Details der Wolkenstadt, den Straßenzügen, dem Kabelgewirr hinaus auf Abstand in die Wolken hat etwas von einem Storyboard, einer Filmvorlage für eine Kamerafahrt.

Ein schöner Knaller, weil die Geschichte und die Umsetzung einmal für Alben eine völlig andere sind. Unvorhersehbar erzählt, mit asiatischem Einschlag grafisch gestaltet ist DER RING DER 7 WELTEN ein kleiner Geheimtipp. Die Kenntnis der drei Vorgängerbände ist ein Muss, da es sich um eine sehr dicht zusammenhängende Geschichte handelt. Für Fans von Animes und Weltuntergangsszenarien. 🙂

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Links:
Blog von Matteo Piana
Making Star Wars mit Matteo Piana und Davide Turotti

Vorbereitungen auf den Krieg. Einen neuen Krieg. Nachdem die Auseinandersetzungen mit der kleinen Armee um Negan zugunsten der Gruppe um Rick ausgegangen war, hat sich mittlerweile ein neuer Feind aufgetan, der nicht weniger unerbittlich ist. Der neue Feind ist außerdem merkwürdig. Die meisten Menschen werfen einen Blick zurück auf die alte, vergangene Zivilisation und wollen die besten Teile davon bewahren, bestenfalls in ein neues Licht setzen. Der neue Feind will all das nicht. Der neue Feind arrangiert sich mit den Toten und lebt das Recht des Stärkeren. Wer sich unterdrücken lässt, hat es nicht besser verdient. Wer sich nicht wehrt, stirbt. Und sollte Ricks Zivilisation eine unsichtbare Grenze überschreiten, ist ein Kampf unausweichlich.

Langsam nähern sich die Zeitschienen der Comic-Vorlage und der Fernsehumsetzung einander an. Wo auf dem Bildschirm der Bösewicht Negan derzeit für Furore sorgt, ist er hier noch ein Gefangener der Gemeinschaft um Rick. Autor und Erfinder von THE WALKING DEAD, Robert Kirkman, hätte nach der dramatischen Auseinandersetzung gegen die Armee von Negan, diesen Halunken auch endgültig auslöschen können. Ricks Leute hatten durch den Tod von Glen genügend Ansporn dazu. Doch aus dem Todesurteil sollte eine lebenslange Haft werden und eine dauernde Mahnung an Rick, endlich einen neuen Weg, fort von der allgegenwärtigen Gewalt zu beschreiten.

Wie sehr Gewalt zur Spirale wird und einen Kreislauf in Gang setzt, der kaum durchbrochen werden kann, hat Robert Kirkman zu einem Kernthema der Serie gemacht. Mit der Apokalypse kehrt nicht einfach der Wilde Westen zurück, sondern das innere Biest wird bei jeder Gelegenheit frei gelassen. Angeblich, weil es nicht anders geht. Absurditäten, Abgründiges, Brutales und Perverses hat seinen Eingang in die nun 26teilige Serie gefunden. Die menschenfressenden Untoten haben auch ihre Hauptbeute, den Menschen, zu Monstern werden lassen. Die oder wir. Auge um Auge. Die einfachen Lösungen waren Programm. Kaum versucht Rick den Kurs zu ändern, legt ihm Robert Kirkman einen gewaltigen Stein in den Weg.

Charlie Adlard, in stilistischer Nähe zu Sean Phillips, einem anderen erfolgreichen Comic-Künstler, hat in Sachen Zombie-Action hier deutlich weniger zu tun als sonst. Wie gesagt, es macht sich bemerkbar, wer das wahre Monster ist. Deshalb liegt der Fokus auf den verfeindeten Parteien, die beide in dichten Szenenfolgen näher beleuchtet werden. Dabei wendet sich Charlie Adlard auch neuen Charakteren zu, so auch Beta, der zweite Mann in der Rangfolge der Flüsterer, dessen Gesicht immer unter der Haut eines Toten verborgen bleibt. Robert Kirkman spielt zwar manchmal mit Stereotypen, aber diesen Bond-Bösewicht, einen typischen Killer und Handlanger, gibt er durch Kleinigkeiten die nötige Tiefe. Und nimmt ihm dennoch nichts von seiner Bösartigkeit.

Gnädiges Schwarzweiß. Ja, es gibt weniger Zombie-Action, aber kaum weniger Horror. Was vielleicht einmal ein Markenzeichen abseits des Mainstreams war, In dieser Hinsicht hatte Charlie Adlard einmal mehr zu tun, jetzt ist die Bedrohung zwar vorhanden, aber ihr Auftreten plötzlicher geworden, schockierender auch, da die beiden Comic-Macher, Kirkman und Adlard, den Leser gelernt haben, in Sicherheit zu wiegen. Entsprechend stärker wirkt die Inszenierung entsprechender Szenen durch Adlard, wären sie von Cliff Rathburn, verantwortlich für die Graustufen, in Farbe getaucht, weil es sich um beinharte Splatterszenen handelt, die der Bildschirmumsetzung in Nichts nachstünden.

Der Wendepunkt ist erreicht. AN DIE WAFFEN lautet der Untertitel der 26. Folge. Der zweite Auslöser für einen Krieg ist nun vorhanden. Robert Kirkman wird sehr bald seine Helden erneut in die Schlacht schicken. Wie er dies hier vorbereitet, ist ein purer Thriller. Heftig, aber sehr spannend. 🙂

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